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“沉浸式艺术”是当今新兴的艺术形式，它寻求打破传统的观看模式，利用科技设备和数字媒体技术让观众“沉浸”在作品中。

但最近，一家著名的策展公司——多伦多的——LighthouseImmersiveStudio遇到了题。据英国《卫报》报道，该公司曾以梵高、莫奈和迪士尼为主题的沉浸式艺术展览而闻名，目前已申请破产保护，所有展览均已取消。

一些评论家认为“沉浸式艺术”代表了“艺术的未来”。通过“沉浸”的形成，一些经典的杰作可以被“激活”，而“沉浸”本身也给艺术创作带来了新的可能性，比如兰登的《雨室》，现在你可以探索新的表达方式和体验。一场精的艺术盛会。事实上，《灯塔》也取得了巨大成功，据透露，自2019年以来，该公司已售出超过700万张展览门，通常提前几个月就售罄。

相比之下，一些“沉浸式展览”却广受诟病。艺术评论家雷切尔康诺利(RachelConnolly)在《卫报》上写道“你永远不需要工具或昂贵的门来欣赏伟大的艺术。”而另一位艺术评论家则表示，“如果梵高能够做一场身临其境的展览，如果我在看完梵高的展览后花了25个小时，我可能会阻止任何剩余的感觉。”。”

《灯塔的倒塌》引发了一系列有关“沉浸式展览”的题。“沉浸式”对于艺术创作者和观众来说有何吸引力？从一系列孤立的成功或失败案例中，对于思考“沉浸式展览”的未来，可以得出哪些普遍的启示？

这不仅仅是为了美化生活。

为什么“沉浸式展览”有吸引力

要了解“沉浸式展览”的核心吸引力以及它们为何如此受欢迎，了解其发展简史会有所帮助。在《纽约客》发表的一篇文章中，“沉浸式艺术”可以追溯到20世纪60年代和1970年代的一群装置艺术家，如罗伯特欧文(RobertOwen)和罗伯特莫里斯(RobertMorris)。在他们的作品中，您可以找到“沉浸式艺术”背后的一些灵感。

例如，罗伯特欧文的艺术深受梅洛-庞蒂现象学的影响。总之，该理论旨在打破现代自然科学和技术理性经常假定的“主体”和“客体”二分法。在他看来，“人”作为认知主体站在世界“之外”并“理解”世界，在那里获得的知识也是客观理性的，取决于“第三人称”视角.它是某种东西。而身体现象学则强调第一人称感知，认为人在日常经历中始终存在于世界中，通过身体作为媒介与周围环境互动。我们从中获得的不是客观的“知识”，而是丰富多的第一人称“情感”。

《感性世界论哲学、文学与艺术》，梅洛庞蒂，王石胜/周子岳译，王恒译编，江苏省人民出版社，2019年。

正是这个概念激发了欧文的灵感，他的艺术创作之一就是从圣地亚哥当代艺术博物馆的窗户上移除了三个空间，使博物馆能够向外界光线、景观和海风“开放”。是。这个开放空间可以欣赏海岸全景，让您体验“光的现象”。由此，观众不再以主客二分法“观看”作品，而是“体验”作品“身在其中”。

罗伯特欧文(RobertIrwin)题为“1234”的文章指的是《圣地亚哥联合论坛报》中的四个维度——高度、宽度、深度和时间。

这种“身在其中”的体验在某种程度上构成了后来“沉浸式艺术”的核心。事实上，它不仅旨在探索“情感”的可能性，而且在和政治层面上也具有深刻的意义。在现代语境中，以主客二分法为特征的工具理性常常伴随着统治和纪律——。它们的目的都是为了操纵人，形成马尔库塞所谓的“一维”社会。赋予情感的“沉浸式艺术”是一种完全不同的哲学，通过规定人与环境、人与他人之间的“共存”，提供了一种无法工具化的价值理性，创造了丰富性，这是一种试图突破多样性的提升。“艺术民主化”以工具理性解决了世界的“贫困”，通过创造强调参与和干预的展览体验，打破了人们对“高雅”艺术作品的向往。简而言之，它在“一维”社会中开辟了一个“自由”空间。

当然，目前“沉浸式艺术”的流行很大程度上归功于这种解放艺术的商业潜力。伦敦蛇形画廊2020年发布的未来艺术生态系统报告指出，通过沉浸式艺术的运用，艺术家或许可以直接向公众出售沉浸式展览的门。在这个生态中，艺术家可以绕过画廊、拍卖行等传统艺术中介，形成“艺术堆栈”，即艺术家主导的生产单元，进行整个商业化过程。这使得艺术家在获得物质报酬的同时，又避免了“文化产业”的侵占。对于传统策展机构来说，沉浸式艺术让组织者不必为展品支付高额溢价，同时新媒体的可复制性使得此类展览可以在多个地点举办，减少了策展和运输展品的时间。潜在的成本和风险。

艺术魅力和商业潜力的结合导致了近年来一些伟大的“沉浸式展览”的出现。其中最引人注目的是兰登公司的“RainRoom”。在《雨间》中，观众上方有天花板，雨幕落下。同时，展览空间内将安装摄像头，持续捕捉观众的位置和样貌，并利用这些数据来操作“降雨装置”。观众所到之处，一场密集的“风暴”就停在身边。他。

《卫报》的《雨屋》。

兰登作品中的一个共同主题是“表达人类与技术之间的关系”，而《雨室》契合了这一主题。安全意味着人的方方面面都被技术“监控”、“捕捉”。与此同时，这项技术也存在失控的风险，参观者在展厅里跑来跑去或穿着可能干扰摄像机的衣服时，实际上可能会被淋湿。这样，现实中无处不在却又极难形象化的人与科技的共生关系，将在这个展览空间中通过所有参与者的感性得以表达。

换句话说，“沉浸式展览”不仅提供了超越“一维”社会的艺术空间的深刻而丰富的体验，而且表达了一种不被“文化产业”的商业潜力侵蚀的情境。“要实现。这是要做的事情。这构成了它被认为是“艺术的未来”的基础。

“灯塔”的沉浮

为什么“沉浸式展览”备受争议

尽管“沉浸式展览”为艺术家提供了一种“自主掌控艺术”的方式，似乎规避了文化产业的可能性。然而，当它成为一种成功模式时，不可避免地会出现模仿的意图和粗暴的“文化工业化”。事实上，很多过去被诟病的展览在这里都受到诟病。

“同质化”和“制造质量差”是最常见的批评。艺术评论家亚历克斯弗莱明-布朗指出，“投影仪、环绕声和奇怪、不舒服的座椅是沉浸式艺术江湖骗子的支柱”，许多展览都基于相同的刻板印象，但有些展览特别令人恼火。布朗举了一个例子“仅仅将低分辨率投影仪对准空白画布并不能提供太多感官刺激.这幅作品中我最喜欢的元素是梵高在阿尔勒的卧室。忠实于。”“。”“这是一项雄心勃勃的壮举”，使用了两平方米的油毡地板和看起来像是从少年监狱偷来的家具。”《卫报》海蒂奥布莱恩(HeidiO'Brien)对蛇形画廊沉浸式梵高展览的评论“艺术家的自我-肖像被吹到画布上，一群参观者观看向日葵的笔触被投影到静态花瓶上……在最后一个房间里，进行了一次参观。参观者坐在地板上观看投影。我看了梵高的作品旋转时的星夜动画。”

让Alex讨厌的展览场景，来自媒体网站ViceNews。

此外，尽管“沉浸式艺术”承诺“民主化”，并且实际上降低了成本，但这些展览往往价格昂贵。《卫报》撰稿人雷切尔康诺利(RachelConnolly)认为灯塔展览太贵了，她说“由于没有原创绘画，这样的展览制作成本和保险成本都更便宜。但价……并没有反映出这一点。成人参观伦敦展览的费用为18英镑，13岁及以上的人算成人。”

吐槽文化产业的“骗局”并不难，但更有趣、更令人不解的题是，为何如此简陋的“消费主义游乐园”却取得了如此辉煌的成功？值得注意的是，这类展览的爆发式火爆往往发生在传染病爆发期间，所以一种可能的解释是，这些展览可能影响了疫情期间人们的心理症状，说明你在利用它。

网络杂志《TheArtifice》的一篇文章指出，美国学者克里斯托弗拉什（ChristopherLasch）所描述的“自恋文化”很适合描述人们当前的心理状态。在大流行中，人们不再感到与周围的世界“共鸣”，并面临着无法控制的未来。因此，他们关注的是自己当前的“刺激”和“经历”，而不是过去的责任或对未来的愿景，但他们发现很难在世界上找到自己的位置并实现它。我们的真实需求——因此，我们倾向于从大事中寻求自我满足或寻求他人的“肯定”。诞生的是一种“以自我为中心、没有自我意识”的文化。

自恋文化《心理危机时代的美国生活》，克里斯托弗拉什着，陈宏文/陆明译，上海译文出版社，2013年。

上述批评家所批评的粗制滥造的“沉浸式艺术展览”，正是适合这种心态的艺术形式。它非常符合詹姆森对“后现代艺术”的定义，一方面缺乏深度和“强度”，但正如前面提到的，这种类型的展览给了观众一种参与性和情感体验。旨在提供一种体验。相反，它是一个缺乏历史的“堆栈”，同时创造了巨大的视觉景观并播放环绕音乐来创造没有深度的“感官刺激”。我们并没有将梵高或莫奈的经典作品“语境化”，而是简单地将与其相关的各种图像和符号堆放在展览空间中。不难发现，这与“自恋文化”是一致的。在这种思维方式下，人们无暇关注艺术的“深度”，而只受到强烈的感官刺激。同时，这样的展厅可以让观众体验与伟大艺术家“在一起”的感觉，并提供适合拍照并在社交媒体上获得“点赞”的“背景墙”。因此，疫情期间取得成功并不难。

来自卫报，在伦敦举办的沉浸式梵高展览。

正如雷切尔康诺利所说，她仍然是这种“沉浸式展览”的批评者。但疫情期间，她也是参与者之一“那段时间，我们的标准非常‘奇怪’，我想说非常‘低’。”在第一次封锁期间，我自己每天都要熬夜到凌晨2点。3点钟，我们一边喝着酒，一边看大约四集的《黑道家族》……有些人还在从事类似的奇怪活动，比如烤畸形面包和尝试有题的发型。“这恰恰证明了这一点。“缺乏深度”、“没有历史”的后现代消费游乐园，是疫情期间“自恋文化”的外在投射。事实上，《灯塔》也做到了这一点。——认为，随着疫情缓解，“艺术形式失去了新鲜感，顾客有了其他选择”。

探索的触角

我们如何展望“沉浸式展览”的未来？

当“灯塔”倒塌时，有评论人士认为“欣赏伟大的艺术从来不需要道具或昂贵的门”，但这只是一些粗制滥造的“沉浸式展览”的结果”，但这种形式本身的必要性受到质疑。但这种怀疑可能太过分了。其实我还是很期待“沉浸式展览”的未来。

确实，没有这些“小玩意”，你也可以欣赏伟大的艺术。然而，不可忽视的一点是，“沉浸式展览”中使用的装置如果放置得当，更容易激发观众与作品之间的共鸣。我们来看看詹姆逊对梵高画作《鞋子》的讨论。詹姆逊说，“只要我们能够在头脑中重新整理历史情境，《鞋子》所描绘的世界就永远不会恶化。”大概。产品，”他引用海德格尔的解释。

“大地无声的呐喊，回荡在鞋的世界里，诉说着农民默默耕耘的成果，诉说着五谷成熟的礼物，诉说着寒冷的冬天如何让农田干枯荒凉。这就是他们如此不可思议地放弃自己的原因。”并否定了自己……像农鞋这样的装备，不仅属于“地”，也属于农民，在女性的“人间”里也受到保护……”

《晚期资本主义的文化逻辑》，蒋明欣着，陈庆超等译，生活方式/阅读/新知三联书，2013年1月。

显然，在“主客二分法”的思想下，当人们面对博物馆里的一幅小画时，在脑海中“组织”出这样的场景就变得越来越困难，我就是。海德格尔认为，人们获得的恰恰是一种“沉浸式”体验，这种体验可以借助科技设备和数字媒体来呈现得更加生动。

更重要的是上面讨论的“沉浸式展览”的可能性，即一方面，开放解放艺术的可能性。

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